Impressionist

Periode: Impressionistisch Der Begriff „Impressionist“ wurde erstmals Mitte der 1870er Jahre geprägt, als kritisch spöttischer Begriff für die licht- und farbfokussierten Gemälde einer kleinen Gruppe von Pariser Künstlern, dem sogenannten „Salon des Refusés“ (Salon der Abgelehnten) – darunter Manet, Renoir, Degas und insbesondere Monet, dessen „Impression, soleil levant“ den Namen inspirierte. Die Anwendung des Begriffs auf Musik ab den 1880er Jahren war eine recht vorhersehbare Erweiterung, obwohl die meisten Komponisten, auf die er angewendet wurde, seine Anwendung ablehnten – am bekanntesten Claude Debussy, der behauptete, dass Kritiker, die ihn auf Musik anwenden, „Imbezile“ seien und dass er stattdessen einfach „etwas anderes“ versuchen wolle. Ungeachtet ihrer Proteste gibt es jedoch ästhetische und technische Entsprechungen zwischen visuellem und musikalischem „Impressionismus“, die empirisch identifiziert werden können. Am prominentesten ist der Begriff „Farbe“. In der Musik ist der konventionellere Begriff „Klangfarbe“, die weitgehend durch Orchestrierung definiert wird, aber auch durch harmonische Verwendung, Textur usw. Die kreative Erforschung der musikalischen Klangfarbe durch Orchestrierung geht sicherlich der impressionistischen Periode voraus, aber gerade diese Generation eröffnete die Klangfarbe als erstklassigen Parameter, der eigenständig genutzt und verfolgt werden konnte. In Orchesterwerken wie Debussys La Mer oder Maurice Ravels Daphnis et Chloé sind ungewöhnliche Verwendungen oder Kombinationen von Instrumenten, insbesondere bei leisen dynamischen Pegeln, ein häufiges Merkmal und verleihen den Werken einen ausgeprägt „koloristischen“ Klang, der späteren Komponisten neue Möglichkeiten eröffnen sollte. Selbst in Werken für Solo-Klavier – wie Debussys Präludien – werden neue Klangfarben durch extreme Register sowie durch einzigartige und „farbenfrohe“ Ansätze zur Harmonie und Melodie erforscht. Tatsächlich ist es im Bereich der Harmonie, wo der impressionistische „Klang“ am leichtesten identifiziert werden kann: mittels Techniken wie parallelen Dreiklängen, Ganztonleitern, Verwischung der tonalen Identität, erweiterten oder chromatischen Akkorden (9., 11., 13. Stufen) usw. Eine weitere Entsprechung zwischen Musik und Malerei lässt sich in ihrer gegenseitigen Faszination für bestimmte „impressionistische“ Themen oder Motive – wie Wasser, Reflexion, Träumerei – erkennen. Allgemeiner war Künstler beider Bereiche jedoch von dem Wunsch motiviert, alte Konventionen aufzubrechen, um neue Methoden und Techniken zu erforschen; in der Musik bedeutete dies, sich von der romantisch-germanischen Betonung traditioneller Großformen, thematischer Einheit und Entwicklung abzuwenden, zugunsten kleinerer, individueller Formen und werksspezifischer Techniken. Neben den Giganten der impressionistischen Periode, Debussy und Ravel, gehören zu weiteren mit der Bewegung verbundenen Persönlichkeiten die französischen Komponisten Erik Satie und Paul Dukas, der Spanier Manuel de Falla und der Amerikaner Charles Griffes, sowie – zumindest teilweise – Karol Szymanowski, Ralph Vaughan Williams, Frederick Delius und Ottavino Resphigi. Zu den als Vorläufer oder Inspiration für spätere impressionistische Entwicklungen gefeierten Komponisten gehören insbesondere Modest Mussorgsky, Alexander Scriabin und Gabriel Fauré, sowie Emmanuel Chabrier und César Franck. Darüber hinaus erlebten impressionistische Techniken und Klänge ein Wiederaufleben unter Jazzkomponisten und -interpreten wie Bix Biederbecke, Bill Evans, Gil Evans und Duke Ellington. Vor allem aber hatten die impressionistische Musiksprache, -techniken und -ästhetik einen direkten und tiefgreifenden Einfluss auf die revolutionäre Moderne, die folgte. Nolan Gasser, PhD Künstlerischer Leiter – Classical Archive (dot) com